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Una cronología de cómo las flores han sido las eternas musas en el arte

Una cronología de cómo las flores han sido las eternas musas en el arte

Las flores y las plantas han estado presentes a lo largo de la Historia, sus colores vibrantes, su resiliencia y hermosura han inspirado a artistas de todas partes del mundo. 

Es por eso que en esta nueva entrada del blog, te contaré cómo estas musas han estado presentes a lo largo de la Historia del Arte.

La ilustración de flores y plantas ha tenido dos propósitos a lo largo de la Historia; ser un objeto decorativo o ser un medio para la identificación de especies; este propósito es lo que separa la ilustración floral de la ilustración botánica. A mi en lo personal, me encantan todas las Artes que tengan cómo inspiración las flores y plantas, es por eso que te contaré sobre diferentes artistas y cómo su trabajo se vincula con la naturaleza, abarcando la Ilustración Floral y Botánica.

Historia Antigua

Teofrasto (370 – 325 A.C) fue un filosofo y botánico griego, relacionado con Platón y Aristóteles, es considerado el “padre de la botánica” ya que realizo la primera clasificación sistemática de las plantas, en su tratado botánico “Historia Plantarum” en donde enumero alrededor de 500 especies.

Este tratado consiste en 9 libros, los cuales están dispuestos en un sistema en el que las plantas se clasifican según su modo de reproducción, su distribución, su hábito de crecimiento y de acuerdo a sus aplicaciones prácticas, tales como alimenticias y medicinales. Los tratados de Teofrasto constituyen la más importante contribución a la ciencia botánica de toda la Antigüedad hasta el Renacimiento.

Renacimiento

Durante el Renacimiento el Arte Botánico vivió una explosión, ya que se incorporó el rigor científico y la sensibilidad de maestros cómo Leonardo Da Vinci (1452 – 1519) y Albrecht Dürer (1471 – 1528). Las obras de ambos son consideradas las primeras representaciones botánicas modernas, en donde muestran la estructura y los hábitos de crecimiento de diferentes especies.

Leonardo Da Vinci fue pintor, arquitecto, inventor, ingeniero, escultor, poeta… y una de sus facetas más desconocidas fue de la botánico. Llegó a desarrollar tanto su pasión por el mundo vegetal que formuló leyes sobre la alteración de las hojas, la excentridad de los troncos, y la de la atracción solar.

El método científico de Leonardo se basaba en la observación, e intentaba comprender los elementos describiéndolos e ilustrándolos con mucho detalle.

En este dibujo de Lilium Candidum, se puede ver el hábito de crecimiento, donde nos detalla la flor desde distintos ángulos, la forma de sus pétalos, sus brotes, los detalles de sus hojas, estambres y pistilos. 

Albrecht Dürer, es el Artista más famoso del Renacimiento alemán, incorporó plantas, animales y aves en sus pinturas.

Su obra “Das große Rasenstück” (La gran mata de hierba) está pintada en Acuarelas y Gouache. En donde recrea la vegetación con tal claridad que se puede identificar cada especie. El trabajo es considerado cómo una de las obras maestras de Dürer entre sus estudios realistas de la Naturaleza. A pesar de que esta pintura fue originariamente un estudio que le ayudaría en el desarrollo de su arte como por ejemplo en el muy detallado grabado de Adan y Eva.

De las obras de estudio de Dürer la más importante es el estudio de un Iris, que luego recrea en el cuadro “Madonna con Iris y niño” 

Siglo XVII : Los Bodegones y la naturaleza muerta

Este género fue muy cultivado en la pintura nórdica del siglo XVII.  Esta rama de la pintura se sirve normalmente del diseño, el cromatismo y la iluminación para producir un efecto de serenidad, bienestar y armonía. Muchos artistas italianos destacados en otros géneros, también produjeron algunos cuadros de bodegones.

En particular, Caravaggio (1573-1610) fue uno de los primeros artistas que representó naturalezas muertas con conciencia de obra pictórica. Aplicó su influyente forma de naturalismo al bodegón. Su Cesto con frutas (1595-1600) es uno de los primeros ejemplos de bodegón puro, presentado con precisión y ubicado a la altura del ojo.

Jan Brueghel el Viejo

Ambrosius Bosschaert

Rachel Ruysch

Siglo XVIII : La edad de oro del Arte Botánico

En este siglo se marca un hito cuando Carl Nilsson Linnæus, (1707-1778) quién fue científico, naturalista botánico y zoólogo, organiza los nombres de las plantas y animales con su sistema de nomenclatura binomial, este sistema cambia la forma de nombrar las plantas hasta hoy, en donde el nombre científico esta formado por la combinación de dos palabras: 

Nombre en latín del género + Nombre en latín de la especie = Paeonia lactiflora (ejemplo)

En esta era de revolución científica, las mujeres fueron excluidas de los centros de mayor actividad, las universidades y academias. Sin embargo esto no logró impedir que Maria Sibylla Merian (1647 – 1717) se destacará cómo una naturalista precursora de la entomología.

En 1679 publicó su libro “La oruga, maravillosa transformación y extraña alimentación floral”. Esta obra incluye imágenes preciosas y precisas del ciclo de vida de los insectos, mostrando su evolución desde larva hasta mariposa, pasando por el estado de pupa o crisálida. En paralelo, María aportaba minuciosos dibujos del tipo de plantas que servían de alimento en cada una de estas etapas. En una época en que la mayoría de las mujeres naturalistas se quedaban en casa clasificando las plantas y los animales de su localidad o aquellos que recibían del extranjero, ella fue capaz de emprender un largo viaje. Cuando tenía 52 años, se embarcó junto a su hija Dorothea con destino a Surinam, con el fin de recolectar y cultivar especímenes de flora y fauna exóticas

Pierre Joseph Redouté (1759-1840) es recordado cómo uno de los mejores ilustradores de flores de la Historia. Nació en Bélgica, fue pintor oficial de la corte de María Antonieta y de la emperatriz Josefina Bonaparte.

En total dibujó, grabó y pintó en acuarela a 1800 especies diferentes, algunas de las cuales nunca habían sido plasmadas en una ilustración. 

Es conocido cómo el “Rafael de las flores” y uno de los artistas botánicos con más talento de toda la historia de las flores.

De 1817 a 1824 produjo la obra que se convertiría en la cima de su éxito; la monografía “Les Roses”, que comprende 3 volúmenes con 170 ilustraciones pintadas a mano y se han convertido en las ilustraciones más reproducidas en la Historia de la Ilustración  Botánica.

Franz (1758-1840) y Ferdinand (1760-1826) Bauer, conocidos cómo los hermanos Bauer,  sobresalieron en el aprendizaje de los principios de la ilustración botánica según el sistema de clasificación de Linneana. Esta técnica suele representar la planta entera en flor, pero representa por separado el capullo y el fruto, a menudo diseccionados para mostrar la estructura interna.

Después de una visita a Inglaterra en 1788, Franz fue contratado por Sir Joseph Banks como el primer artista residente en el Real Jardín Botánico de Kew, en Londres, cargo que mantuvo por el resto de su vida. Fue pionero en el uso de microscopios para producir estudios detallados y sus intrincados dibujos contribuyeron a la clasificación de las especies de orquídeas. Mientras que su hermano fue reclutado por Banks como el artista botánico en el viaje del HMS durante su circunnavegación de Australia.

Siglo XIX: Las flores en la pintura impresionista

Fue en el XIX cuando la representación floral adquiere un valor comercial y se convierte en una protagonista más de la pintura moderna, con los trabajos de simbolistas y pintores de la luz que otorgan una nueva significación al género.

En los tres últimos años de su vida Édouard Manet (1832 – 1883) se dedicó a la pintura de naturalezas muertas y floreros debido a su delicado estado de salud.

“Un pintor puede decir todo lo que quiere con frutas o flores e incluso con nubes. Como saben, a mí me gustaría ser el san Francisco de la naturaleza muerta”

Dada la importancia de la naturaleza muerta para Manet, muchos consideraron, ya desde 1890, que era la marca más evidente de la revolución que creó, el acontecimiento de una pintura preocupada sólo por sí misma y libre de la tiranía del tema. Al rechazar cualquier jerarquía en el interior mismo del cuadro, otorgando igual importancia al accesorio y a la figura, Manet rompía ciertamente con las reglas académicas.

En esta época las flores, representaban el pensamiento, la personalidad y la forma de ver la vida de los artistas, la siguiente pintura corresponde a su obra “Una joven entre flores”

Vincent van Gogh, (1853 – 1890) fue un pintor neerlandés y figura destacada del Posimpresionismo. Es uno de los pintores que ha concedido mayor importancia dentro de su obra a las flores y las plantas, en sus cartas a su hermano Theo escribió

“Y ahora en cuanto a lo que yo he estado haciendo, me ha faltado el dinero para pagar mis modelos, como alternativa, he tenido que dedicarme a pintar las figuras pero he creado una serie de estudios de color pintando las flores, amapolas rojas, flores azules de maíz, y miosotis. Rosas blancas y rosadas, crisantemos amarillos.”

Su pintura  “Jarrón con Girasoles” pertenece a una serie, que fue pintada con motivo de la visita de Gaugain a su casa. En esta obra muestra un jarrón en una mesa que contiene girasoles amarillos. Algunos se encuentran florecidos desde distintas perspectivas, otros están comenzando a florecer y otros a morir. En esto se parece a la ilustración botánica, en cuanto a mostrar el hábito de crecimiento de una flor.

Claude Monet, (1840 – 1926) fue un pintor francés y un gran amante de la naturaleza, las flores y las plantas. Durante sus últimos treinta años vivió en Giverny (Francia) donde construyó junto a su casa, un magnífico jardín que a la vez fue el protagonista de sus cuadros. Apasionado por las flores, en una ocasión afirmó

“A ellas les debo haberme convertido en pintor.”

Juega con su jardín como si estuviera pintando un cuadro y utiliza las flores como una paleta de colores con la que moldea su jardín soñado. Imaginativo en la jardinería tanto como en la pintura, Monet consigue plantar y combinar diferentes flores. Va ampliando el terreno para crear un jardín con plantas exóticas que trae de diferentes lugares del mundo. Iris, gladiolos, dalias, azucenas, bambús, sauces llorones y sus famosos nenúfares.

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Siglo XIX - XX: Fin de siècle y Belle époque

Gustav Klimt (1862 – 1918) fue un pintor austriaco y uno de los representantes del movimiento Modernista

Su obra “Jardín campestre con girasoles” (primera imagen a la izquierda) fue realizado durante una de las estancias veraniegas a orillas del Attersee, en la región de Salzburgo, donde Klimt veraneaba junto a su compañera, Emilie Flöge.

Kimt se sitúa literalmente en medio de la naturaleza, la distancia entre artista y tema se anula totalmente y el espectador es casi sofocado por una visión caleidoscópica. Margaritas, áster, flores del campo y girasoles se disputan el protagonismo, ocupando por entero el espacio pictórico sin horizonte. 

También se piensa que estas pinturas de Klimt fueron hechas con la pintura que sobraba de pintar los desnudos, como una especie de descanso y terapia.

* La elección de los girasoles no fue seguramente casual y puede interpretarse como un homenaje a Van Gogh. 

Siglo XX: Georgia O'Keeffe "Madre del modernismo estadounidense"

Georgia O’Keeffe (1887 – 1986) fue una de las artistas más importantes del siglo XX, pionera no sólo en el modernismo norteamericano, por probar con la abstracción en sus pinturas antes que el resto, sino por desarrollar un estilo muy personal.

Georgia se casó con el fotógrafo Alfred Stieglitz, por lo que no es casualidad que su arte se viera influenciado por la fotografía moderna. O’Keeffe hizo un acercamiento total a las flores en muchas de sus pinturas, simplificando y detallando a la vez; aunque muchos consideran que eran alegorías sexuales, ella siempre defendió que, simplemente, retrataba la belleza de una flor

“Nadie ve realmente las flores, son tan pequeñas, no tenemos tiempo, y para ver necesitas tiempo. Así que me dije a mi misma, pintaré lo que veo. Lo que la flor es para mí. Pero lo pintaré en grande y se sorprenderán del tiempo que toma verla”.

O’Keeffe sorprendida y desanimada por las críticas a sus flores, decidió cambiar el enfoque de su trabajo. La artista decidió centrarse en representar formas reconocibles que no estaban abiertas a la interpretación. Pero a su pesar, incluso sus pinturas de flores posteriores siguieron siendo interpretadas como una expresión de la sexualidad de O’Keeffe.

Siglo XX: Matisse, color y expresión

“Siempre hay flores para aquellos que desean verlas”

Henri Matisse (1869 – 1954) fue un pintor frances, conocido por su original uso del color y la fluidez de su trazo en el dibujo.

Su obra marcaba las pautas de un nuevo estilo en el Arte, lleno de expresividad y que se negaría a ser solo una imitación de la naturaleza.

Comenzó a pintar en 1889, cuando convaleciente de una apendicitis su madre le lleva elementos para pintar. Dijo de este momento de su vida que descubrió una especie de paraíso.​ Y a partir de entonces decide convertirse en artista plástico, a pesar de que esto decepcionó profundamente a su padre.

“Las flores son para mi las mejores lecciones de composición de los colores. Me proporcionan impresiones cromáticas que quedan indeleblemente marcadas en mi retina como un hierro al ojo vivo.”

Siglo XX: El naturalismo de Mondrian

Piet Mondrian (1872 – 1944) durante una década crea dibujos naturalistas y pinturas que reflejan una serie de influencias estilísticas incluyendo realismo académico, impresionismo holandés, y el simbolismo. Durante este periodo y de forma intermitente hasta mediados de 1920 Mondrian creó más de un centenar de imágenes de flores.

*Las pinturas de Crisantemo hacen pensar que es una oda al trabajo del postimpresionista Van Gogh, como también a las ilustraciones botánicas de Da Vinci. (ver imágenes de abajo)

“Me gusta pintar flores, no ramos, pero una sola flor a la vez, para que yo pueda expresar mejor su estructura plástica.”

En su obra Amarillis (a la izquierda), ya se ven indicios del cambio de rumbo en su pintura, en donde sólo utiliza colores primarios e intenta no representar las flores como las ve, sino cómo un ideal.

Mondrian, evolucionó desde el naturalismo y el simbolismo hasta la abstracción, de la cual es el principal representante inaugural junto a Vasili Kandinski y Kazimir Malévich.

Todas estas increíbles pinturas nos recuerdan la belleza innegable de las flores, independiente de la época en la que fueron creadas. La naturaleza es inspiración pura y esta siempre al alcance de tu mano, ya sea en tu terraza y/o jardín, tus plantitas de interior o los parques de tu ciudad  💛

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Y cómo decía Claude Monet

“Debo tener flores, siempre y siempre”

¿Te gustó esta entrada? Cuéntame en los comentarios! Seguiré realizando entradas sobre materiales y mis consejos sobre la Acuarela, pero de vez en cuando me verás escribiendo sobre Arte y Naturaleza.

Muy pronto les contaré sobre flores en el Arte del siglo XXI! con la incorporación de instalaciones, luz, animaciones y tecnología.

Publicado por Nicoletalle en Flores y plantas, Historia del Arte, 0 comentarios