Nicoletalle

[descargable gratuito] Wallpaper Diciembre 2020

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Que rápido pasó el año! 😱  Yo sigo sintiendo que recién voy en la mitad del año… pero en fin… me encanta esta fecha para hacer cierres y comenzar nuevos proyectos y decretar  🖤

Me encantaría saber si les gustaría que siguiera haciéndolos para el próximo año, qué tipo de ilustraciones les gustaría que estuvieran y cualquier sugerencia que sientan que pueden mejorar los Wallpaper 💕🙌🏼🖤 
El año pasado les hice esta misma pregunta y cumplí con hacer más flores y plantitas para los calendarios de este año!
Para que sepan que anoto todas sus sugerencias en mi libreta especial y la consulto siempre para refrescar mis ideas.
 
El wallpaper de este último mes esta hecho en Acuarelas y son 3 especies de flores endémicas de Chile; Bipinnula plumosa (Flor de bigote) Schizantus Pinnatus (Mariposita blanca) y Lapageria Rosea (Copihues).
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Gracias a quienes comentan y comparten mi trabajo siempre, es el mejor regalo que me pueden dar 💕
Les tkm! 💕🔥

Gracias por todo lo que me han dado este año, a l@s que compraron mis productos, a mis alumn@s de Nicoletalleonline, a l@s que comparten y comentan, a l@s suscritos en mi canal de Youtube 😭 ustedes hicieron de este año pandémico, un año especial

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[descargable gratuito] Wallpaper Noviembre 2020

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El otro día leí que faltaban 9 lunes para que termine el año (con hoy, ya nos quedan sólo 8) y yo quede 😱😱😱 hahaha ¿Dónde se fue el año? con esto de quedarme en casa la mayor parte del tiempo, los días y meses se han pasado frente a mi ventana… lo cual no quiere decir que no he disfrutado ah… me encanta estar en casa junto a mis gatitas y plantas. Yo soy del tipo de persona hermitaña, me gusta estar sola o con poca gente, me gusta el silencio y llevo años trabajando desde mi casa, así que mi rutina no cambio tanto. 

El wallpaper de este mes, es un Philodendron bipinnatifidum, más conocido como Filodendro Paraguayo. Tengo la fortuna de tener uno en mi taller y esta primavera ya lleva 3 hojitas nuevas! así que estoy encantada! Soy una #proudplantmom 🥰

 

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Una cronología de cómo las flores han sido las eternas musas en el arte

Una cronología de cómo las flores han sido las eternas musas en el arte

Las flores y las plantas han estado presentes a lo largo de la Historia, sus colores vibrantes, su resiliencia y hermosura han inspirado a artistas de todas partes del mundo. 

Es por eso que en esta nueva entrada del blog, te contaré cómo estas musas han estado presentes a lo largo de la Historia del Arte.

La ilustración de flores y plantas ha tenido dos propósitos a lo largo de la Historia; ser un objeto decorativo o ser un medio para la identificación de especies; este propósito es lo que separa la ilustración floral de la ilustración botánica. A mi en lo personal, me encantan todas las Artes que tengan cómo inspiración las flores y plantas, es por eso que te contaré sobre diferentes artistas y cómo su trabajo se vincula con la naturaleza, abarcando la Ilustración Floral y Botánica.

Historia Antigua

Teofrasto (370 – 325 A.C) fue un filosofo y botánico griego, relacionado con Platón y Aristóteles, es considerado el “padre de la botánica” ya que realizo la primera clasificación sistemática de las plantas, en su tratado botánico “Historia Plantarum” en donde enumero alrededor de 500 especies.

Este tratado consiste en 9 libros, los cuales están dispuestos en un sistema en el que las plantas se clasifican según su modo de reproducción, su distribución, su hábito de crecimiento y de acuerdo a sus aplicaciones prácticas, tales como alimenticias y medicinales. Los tratados de Teofrasto constituyen la más importante contribución a la ciencia botánica de toda la Antigüedad hasta el Renacimiento.

Renacimiento

Durante el Renacimiento el Arte Botánico vivió una explosión, ya que se incorporó el rigor científico y la sensibilidad de maestros cómo Leonardo Da Vinci (1452 – 1519) y Albrecht Dürer (1471 – 1528). Las obras de ambos son consideradas las primeras representaciones botánicas modernas, en donde muestran la estructura y los hábitos de crecimiento de diferentes especies.

Leonardo Da Vinci fue pintor, arquitecto, inventor, ingeniero, escultor, poeta… y una de sus facetas más desconocidas fue de la botánico. Llegó a desarrollar tanto su pasión por el mundo vegetal que formuló leyes sobre la alteración de las hojas, la excentridad de los troncos, y la de la atracción solar.

El método científico de Leonardo se basaba en la observación, e intentaba comprender los elementos describiéndolos e ilustrándolos con mucho detalle.

En este dibujo de Lilium Candidum, se puede ver el hábito de crecimiento, donde nos detalla la flor desde distintos ángulos, la forma de sus pétalos, sus brotes, los detalles de sus hojas, estambres y pistilos. 

Albrecht Dürer, es el Artista más famoso del Renacimiento alemán, incorporó plantas, animales y aves en sus pinturas.

Su obra “Das große Rasenstück” (La gran mata de hierba) está pintada en Acuarelas y Gouache. En donde recrea la vegetación con tal claridad que se puede identificar cada especie. El trabajo es considerado cómo una de las obras maestras de Dürer entre sus estudios realistas de la Naturaleza. A pesar de que esta pintura fue originariamente un estudio que le ayudaría en el desarrollo de su arte como por ejemplo en el muy detallado grabado de Adan y Eva.

De las obras de estudio de Dürer la más importante es el estudio de un Iris, que luego recrea en el cuadro “Madonna con Iris y niño” 

Siglo XVII : Los Bodegones y la naturaleza muerta

Este género fue muy cultivado en la pintura nórdica del siglo XVII.  Esta rama de la pintura se sirve normalmente del diseño, el cromatismo y la iluminación para producir un efecto de serenidad, bienestar y armonía. Muchos artistas italianos destacados en otros géneros, también produjeron algunos cuadros de bodegones.

En particular, Caravaggio (1573-1610) fue uno de los primeros artistas que representó naturalezas muertas con conciencia de obra pictórica. Aplicó su influyente forma de naturalismo al bodegón. Su Cesto con frutas (1595-1600) es uno de los primeros ejemplos de bodegón puro, presentado con precisión y ubicado a la altura del ojo.

Jan Brueghel el Viejo

Ambrosius Bosschaert

Rachel Ruysch

Siglo XVIII : La edad de oro del Arte Botánico

En este siglo se marca un hito cuando Carl Nilsson Linnæus, (1707-1778) quién fue científico, naturalista botánico y zoólogo, organiza los nombres de las plantas y animales con su sistema de nomenclatura binomial, este sistema cambia la forma de nombrar las plantas hasta hoy, en donde el nombre científico esta formado por la combinación de dos palabras: 

Nombre en latín del género + Nombre en latín de la especie = Paeonia lactiflora (ejemplo)

En esta era de revolución científica, las mujeres fueron excluidas de los centros de mayor actividad, las universidades y academias. Sin embargo esto no logró impedir que Maria Sibylla Merian (1647 – 1717) se destacará cómo una naturalista precursora de la entomología.

En 1679 publicó su libro “La oruga, maravillosa transformación y extraña alimentación floral”. Esta obra incluye imágenes preciosas y precisas del ciclo de vida de los insectos, mostrando su evolución desde larva hasta mariposa, pasando por el estado de pupa o crisálida. En paralelo, María aportaba minuciosos dibujos del tipo de plantas que servían de alimento en cada una de estas etapas. En una época en que la mayoría de las mujeres naturalistas se quedaban en casa clasificando las plantas y los animales de su localidad o aquellos que recibían del extranjero, ella fue capaz de emprender un largo viaje. Cuando tenía 52 años, se embarcó junto a su hija Dorothea con destino a Surinam, con el fin de recolectar y cultivar especímenes de flora y fauna exóticas

Pierre Joseph Redouté (1759-1840) es recordado cómo uno de los mejores ilustradores de flores de la Historia. Nació en Bélgica, fue pintor oficial de la corte de María Antonieta y de la emperatriz Josefina Bonaparte.

En total dibujó, grabó y pintó en acuarela a 1800 especies diferentes, algunas de las cuales nunca habían sido plasmadas en una ilustración. 

Es conocido cómo el “Rafael de las flores” y uno de los artistas botánicos con más talento de toda la historia de las flores.

De 1817 a 1824 produjo la obra que se convertiría en la cima de su éxito; la monografía “Les Roses”, que comprende 3 volúmenes con 170 ilustraciones pintadas a mano y se han convertido en las ilustraciones más reproducidas en la Historia de la Ilustración  Botánica.

Franz (1758-1840) y Ferdinand (1760-1826) Bauer, conocidos cómo los hermanos Bauer,  sobresalieron en el aprendizaje de los principios de la ilustración botánica según el sistema de clasificación de Linneana. Esta técnica suele representar la planta entera en flor, pero representa por separado el capullo y el fruto, a menudo diseccionados para mostrar la estructura interna.

Después de una visita a Inglaterra en 1788, Franz fue contratado por Sir Joseph Banks como el primer artista residente en el Real Jardín Botánico de Kew, en Londres, cargo que mantuvo por el resto de su vida. Fue pionero en el uso de microscopios para producir estudios detallados y sus intrincados dibujos contribuyeron a la clasificación de las especies de orquídeas. Mientras que su hermano fue reclutado por Banks como el artista botánico en el viaje del HMS durante su circunnavegación de Australia.

Siglo XIX: Las flores en la pintura impresionista

Fue en el XIX cuando la representación floral adquiere un valor comercial y se convierte en una protagonista más de la pintura moderna, con los trabajos de simbolistas y pintores de la luz que otorgan una nueva significación al género.

En los tres últimos años de su vida Édouard Manet (1832 – 1883) se dedicó a la pintura de naturalezas muertas y floreros debido a su delicado estado de salud.

“Un pintor puede decir todo lo que quiere con frutas o flores e incluso con nubes. Como saben, a mí me gustaría ser el san Francisco de la naturaleza muerta”

Dada la importancia de la naturaleza muerta para Manet, muchos consideraron, ya desde 1890, que era la marca más evidente de la revolución que creó, el acontecimiento de una pintura preocupada sólo por sí misma y libre de la tiranía del tema. Al rechazar cualquier jerarquía en el interior mismo del cuadro, otorgando igual importancia al accesorio y a la figura, Manet rompía ciertamente con las reglas académicas.

En esta época las flores, representaban el pensamiento, la personalidad y la forma de ver la vida de los artistas, la siguiente pintura corresponde a su obra “Una joven entre flores”

Vincent van Gogh, (1853 – 1890) fue un pintor neerlandés y figura destacada del Posimpresionismo. Es uno de los pintores que ha concedido mayor importancia dentro de su obra a las flores y las plantas, en sus cartas a su hermano Theo escribió

“Y ahora en cuanto a lo que yo he estado haciendo, me ha faltado el dinero para pagar mis modelos, como alternativa, he tenido que dedicarme a pintar las figuras pero he creado una serie de estudios de color pintando las flores, amapolas rojas, flores azules de maíz, y miosotis. Rosas blancas y rosadas, crisantemos amarillos.”

Su pintura  “Jarrón con Girasoles” pertenece a una serie, que fue pintada con motivo de la visita de Gaugain a su casa. En esta obra muestra un jarrón en una mesa que contiene girasoles amarillos. Algunos se encuentran florecidos desde distintas perspectivas, otros están comenzando a florecer y otros a morir. En esto se parece a la ilustración botánica, en cuanto a mostrar el hábito de crecimiento de una flor.

Claude Monet, (1840 – 1926) fue un pintor francés y un gran amante de la naturaleza, las flores y las plantas. Durante sus últimos treinta años vivió en Giverny (Francia) donde construyó junto a su casa, un magnífico jardín que a la vez fue el protagonista de sus cuadros. Apasionado por las flores, en una ocasión afirmó

“A ellas les debo haberme convertido en pintor.”

Juega con su jardín como si estuviera pintando un cuadro y utiliza las flores como una paleta de colores con la que moldea su jardín soñado. Imaginativo en la jardinería tanto como en la pintura, Monet consigue plantar y combinar diferentes flores. Va ampliando el terreno para crear un jardín con plantas exóticas que trae de diferentes lugares del mundo. Iris, gladiolos, dalias, azucenas, bambús, sauces llorones y sus famosos nenúfares.

¿Sabías que puedes visitarlo? Haz click aquí para conocer más de los jardines de Monet

Siglo XIX - XX: Fin de siècle y Belle époque

Gustav Klimt (1862 – 1918) fue un pintor austriaco y uno de los representantes del movimiento Modernista

Su obra “Jardín campestre con girasoles” (primera imagen a la izquierda) fue realizado durante una de las estancias veraniegas a orillas del Attersee, en la región de Salzburgo, donde Klimt veraneaba junto a su compañera, Emilie Flöge.

Kimt se sitúa literalmente en medio de la naturaleza, la distancia entre artista y tema se anula totalmente y el espectador es casi sofocado por una visión caleidoscópica. Margaritas, áster, flores del campo y girasoles se disputan el protagonismo, ocupando por entero el espacio pictórico sin horizonte. 

También se piensa que estas pinturas de Klimt fueron hechas con la pintura que sobraba de pintar los desnudos, como una especie de descanso y terapia.

* La elección de los girasoles no fue seguramente casual y puede interpretarse como un homenaje a Van Gogh. 

Siglo XX: Georgia O'Keeffe "Madre del modernismo estadounidense"

Georgia O’Keeffe (1887 – 1986) fue una de las artistas más importantes del siglo XX, pionera no sólo en el modernismo norteamericano, por probar con la abstracción en sus pinturas antes que el resto, sino por desarrollar un estilo muy personal.

Georgia se casó con el fotógrafo Alfred Stieglitz, por lo que no es casualidad que su arte se viera influenciado por la fotografía moderna. O’Keeffe hizo un acercamiento total a las flores en muchas de sus pinturas, simplificando y detallando a la vez; aunque muchos consideran que eran alegorías sexuales, ella siempre defendió que, simplemente, retrataba la belleza de una flor

“Nadie ve realmente las flores, son tan pequeñas, no tenemos tiempo, y para ver necesitas tiempo. Así que me dije a mi misma, pintaré lo que veo. Lo que la flor es para mí. Pero lo pintaré en grande y se sorprenderán del tiempo que toma verla”.

O’Keeffe sorprendida y desanimada por las críticas a sus flores, decidió cambiar el enfoque de su trabajo. La artista decidió centrarse en representar formas reconocibles que no estaban abiertas a la interpretación. Pero a su pesar, incluso sus pinturas de flores posteriores siguieron siendo interpretadas como una expresión de la sexualidad de O’Keeffe.

Siglo XX: Matisse, color y expresión

“Siempre hay flores para aquellos que desean verlas”

Henri Matisse (1869 – 1954) fue un pintor frances, conocido por su original uso del color y la fluidez de su trazo en el dibujo.

Su obra marcaba las pautas de un nuevo estilo en el Arte, lleno de expresividad y que se negaría a ser solo una imitación de la naturaleza.

Comenzó a pintar en 1889, cuando convaleciente de una apendicitis su madre le lleva elementos para pintar. Dijo de este momento de su vida que descubrió una especie de paraíso.​ Y a partir de entonces decide convertirse en artista plástico, a pesar de que esto decepcionó profundamente a su padre.

“Las flores son para mi las mejores lecciones de composición de los colores. Me proporcionan impresiones cromáticas que quedan indeleblemente marcadas en mi retina como un hierro al ojo vivo.”

Siglo XX: El naturalismo de Mondrian

Piet Mondrian (1872 – 1944) durante una década crea dibujos naturalistas y pinturas que reflejan una serie de influencias estilísticas incluyendo realismo académico, impresionismo holandés, y el simbolismo. Durante este periodo y de forma intermitente hasta mediados de 1920 Mondrian creó más de un centenar de imágenes de flores.

*Las pinturas de Crisantemo hacen pensar que es una oda al trabajo del postimpresionista Van Gogh, como también a las ilustraciones botánicas de Da Vinci. (ver imágenes de abajo)

“Me gusta pintar flores, no ramos, pero una sola flor a la vez, para que yo pueda expresar mejor su estructura plástica.”

En su obra Amarillis (a la izquierda), ya se ven indicios del cambio de rumbo en su pintura, en donde sólo utiliza colores primarios e intenta no representar las flores como las ve, sino cómo un ideal.

Mondrian, evolucionó desde el naturalismo y el simbolismo hasta la abstracción, de la cual es el principal representante inaugural junto a Vasili Kandinski y Kazimir Malévich.

Todas estas increíbles pinturas nos recuerdan la belleza innegable de las flores, independiente de la época en la que fueron creadas. La naturaleza es inspiración pura y esta siempre al alcance de tu mano, ya sea en tu terraza y/o jardín, tus plantitas de interior o los parques de tu ciudad  💛

Si quedaste inspirad@ y quieres aprender a pintar tus propias flores, te dejo invitad@ a ver mi curso Online “Acuarela y Flores” aquí 

Y cómo decía Claude Monet

“Debo tener flores, siempre y siempre”

¿Te gustó esta entrada? Cuéntame en los comentarios! Seguiré realizando entradas sobre materiales y mis consejos sobre la Acuarela, pero de vez en cuando me verás escribiendo sobre Arte y Naturaleza.

Muy pronto les contaré sobre flores en el Arte del siglo XXI! con la incorporación de instalaciones, luz, animaciones y tecnología.

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[descargable gratuito] Wallpaper Octubre 2020

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No puedo creer que ya estamos comenzando Octubre! El mes de Septiembre se me pasó volando, fue un mes de concretar mi gran proyecto del curso online que tiene mi corazón llenito de alegría!

Gracias a quienes ya lo compraron! No me puedo creer tanto amor que recibo de ustedes día a día, espero poder retribuirles ese cariño con mis publicaciones y consejos. Por eso ya esta aquí el Wallpaper de Octubre, con estas Amanitas Muscaria, para recordarles cuidar nuestro medio ambientes y todos sus habitantes no humanos🙏🏼🌿✨

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[descargable gratuito] Wallpaper septiembre 2020

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Bienvenido Septiembre y la primavera en el hemisferio Sur!

Septiembre es uno de mis meses favoritos en el año porque comienzan a asomarse los rayos de sol, mis plantitas se ponen felices y comienzan a aparecer un montón de hojitas nuevas 🌿☘️🍀

Además es mi mes cumpleaños y tenemos un finde largo y se viene el lanzamiento de mi curso online, así que estoy feliz y ansiosa por vivir a concho este mes🌈

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Gracias a quienes comentan y comparten mi trabajo siempre, es el mejor regalo que me pueden dar 💕

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Cómo hacer sobre acuarela detalles con blancos y negros

Cómo hacer sobre acuarela detalles con blancos y negros

En este nuevo post hablaremos sobre algunos materiales complementarios que pueden ser de mucha utilidad al momento de realizar los detalles finales de nuestras ilustraciones.

Por ejemplo, yo suelo usar lápices o tintas acrílicas blancas para acentuar algunos brillos en mis ilustraciones, o si quiero pintar una zona de color negro, prefiero tintas o gouache en lugar de Acuarelas.

Comencemos por los detalles en blanco

Cuando hablamos de blancos en la Acuarela, nos referimos principalmente a reservar el blanco del mismo papel, pero ¿qué pasa cuando queremos pintar una zona blanca?

Si utilizamos la acuarela de tono ‘blanco de China’ que viene en algunos sets, ésta al ser mezclada con agua, pierde su tonalidad y se vuelve transparente y su aspecto es un poco “sucio” a mi parecer, por lo que siempre me inclino a usar otros materiales para hacer mis detalles en blanco.

Hay muchas opciones en el mercado de lápices blancos, se pueden usar en la etapa final de una ilustración para dar algunos toques de luz necesarios. En Acuarela, los lápices con los que he obtenido mejores resultados son los que están compuestos de acrílico y/o tinta

 

En este ejercicio probé realizar blancos con:

  • Uni Posca: Marcador de tinta al agua con diferentes diámetros de punta
  • Lápiz tinta gel: Lápiz de tinta gel blanco, con diámetro de trazo 0.35 mm
  • Lápiz Acuarelable: Lapices en madera y de punta blanda (Obtendrás un resultado muy similar con un lápiz Polychromo blanco)
  • Tinta Acrilica: Tinta con base de resina acrílica, marca Amsterdam

Los toques de luz y los reflejos se ponen en las áreas del dibujo donde la luz imaginaria ilumina parte de un objeto. Ahora si miramos comparativamente este ejercicio de blancos, podemos darnos cuenta que la tinta acrílica parece ser la que más ilumina.

De estos 4 formatos de blancos mi menos favorito es el lápiz de tinta gel, ya que su punta roll on genera una pequeña hendidura en el centro.

  • El Uni Posca lo uso para detalles en los que requiera la precisión de un lápiz 
  • Los lápices de colores con puntas blandas los uso sólo ocasionalmente y con ellos hago brillos tenues
  • La tinta acrílica la uso con pincel, para dar brillos delicados y con movimiento – cómo el plumaje de un ave-
El delineado blanco permitió definir de mejor manera los bordes en las orquídeas
El acrílico aporta puntos de luz muy brillantes mientras que el posca es más opaco

Y ahora continuemos con los detalles en negro

Debido a que las acuarelas deben ser mezcladas con agua, se hace muy difícil conseguir un tono negro intenso de manera inmediata, por lo que será necesario realizar varias capas de color para llegar a ese resultado. Es por eso que yo siempre recurro a la tinta negra cuando quiero pintar una zona o fondo negro

En este ejercicio probé realizar negros con:

  • Acuarela ‘Black’ de Pentel: Acuarela de calidad escolar
  • Acuarela Ivory Black de Schmincke Horadam: Acuarela de calidad Profesional de la marca Schmincke
  • Tinta negra – liquid indian ink: Tinta negra fina (también es tinta china). Formulada con goma laca y pigmento de gran calidad. Esto proporciona un negro más intenso. Algunas son a prueba de agua y otras no (ojo ahí) si buscas una tinta para aplicar con plumilla te conviene que no sea a prueba de agua, ya que echa a perder la plumilla. La indian ink está recomendada para hacer líneas finas con plumilla o pincel, tiene alta pigmentación y es más opaca, está recomendada para lettering y caligrafía, si buscas una para dibujar o pintar grandes superficies te recomiendo buscar una ‘drawing ink’
  • Tinta China: Existen cientos de tintas chinas diferentes, algunas más brillantes que otras, de diferentes tonos de negro y con diferentes concentraciones de pigmento. En éste ejemplo, use una tinta china que compre en un supermercado asiático por 1 dolár app. No es resistente al agua, es liviana, de color intenso y muy brillante al secarse, desconozco si se destiñe con el tiempo y es por eso que la uso sólo en ejercicios personales. Pero, en el mercado puedes encontrar muchas marcas de excelente calidad cómo Sennelier, Pelikan, Winsor & Newton, Talens, etc. 

Cómo se puede ver a simple vista, las acuarelas de calidad escolar y profesional no llegan en una capa de color a un tono negro intenso, es por eso que yo suelo usar tintas negras.

Podemos ver que la tinta liquid indian ink de la marca Winsor & Newton a pesar de ser de un tono negro intenso, no logra ser completamente cubriente en una capa y esto es porque esta diseñada para ser usada en Caligrafía y/o Lettering, no para pintar superficies. Yo desconocía esto cuando la compre, es por eso que siento que es importante crear contenidos que hablen sobre materiales y de la experiencia que uno tiene con ellos.

Si necesitas cubrir una gran superficie mi recomendación es comprar una tinta del tipo “Drawing Ink”, Gouache negro si quieres un resultado mate o Acrílico negro si quieres un resultado brillante.

Tiralíneas para detalles más precisos

El uso de lápices de tinta te permite dibujar o crear detalles con un alto grado de precisión. Estos tienen diferentes grosores de línea que permiten definir hasta el más mínimo detalle. Esta herramienta de dibujo se merece una entrada completa de blog, por lo que aquí sólo me detendré para detallar de qué manera trabajar un tiralíneas en conjunto con la Acuarela.

En este ejercicio probé 4 tiralíneas en 2 momentos diferentes: 

  • Entintar primero y luego pintar con Acuarelas
  • Pintar con Acuarelas y luego entintar

Es importante decir que todos los tiralíneas indicaban ser ‘a prueba de agua’, característica muy importante que debe poseer un tiralíneas cuando trabajamos con Acuarela, ya que la acuarela se diluye con agua. 

Cómo se puede apreciar siempre será mas seguro pintar primero con acuarelas y una vez que acabes tu pintura hacer el entintado con tiralíneas. Pero si quieres un tiralíneas con el que también puedas trabajar antes de pintar, mi recomendación es ir por uno de buena calidad.

Actualmente en el mercado existen un montón de marcas de tiralíneas de excelente calidad, a mi aún me faltan muchos por probar, ya que los tiralíneas de Sakura pigma micron nunca me han dado problemas, ademas de ser más económicos que la gran mayoría.

Los tiralíneas Sakura pigma micron son libre de ácidos, por lo que no dañan el papel y con el tiempo no se destiñen, su tinta es de secado rápido y está disponible en 8 puntas que van desde 0.03 a 0.8 mm.

El tiralíneas Rotring tikky es mi favorito desde que estudié Arquitectura, se demora más tiempo en secar que el resto de los tiralíneas (si quieres un secado rápido este no es tu tiralíneas) pero tiene la característica de lograr negros mas intensos y está disponible en 6 puntas que van desde 0.1 a 0.8 mm.

Utilizar el lápiz blanco y tiralíneas negro definió y le dio carácter a los detalles de la ilustración
Para dar profundidad a los granos de la granada, pinte con un tiralíneas muy finito todos los encuentros de los granos, teniendo cuidado de no delinear por completo cada grano

Espero que ésta información sea útil para ti y que disfrutes el proceso de aprender a pintar con Acuarelas 💛

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[tutorial paso a paso] Aprende a dar volumen a tus acuarelas con este ejercicio de naturaleza muerta

[tutorial paso a paso] Aprende a dar volumen a tus acuarelas con este ejercicio de naturaleza muerta

Hola! Bienvenidos a un nuevo tutorial de Acuarelas 🎨

En este paso a paso te voy a enseñar cómo aplicar volumen a diferentes objetos, para esto, tomaremos cómo referencia las hermosas cerámicas de la diseñadora italiana Sonia Pedrazzini, quién se inspiró en las obras de Naturaleza muerta del pintor Giorgio Morandi.

Le Morandine por Sonia Pedrazzini
Giorgio Morandi (1890 - 1964)

Para hacer este tutorial necesitarán:

  • Descargar el dibujo 
  • Papel de Acuarela
  • Acuarelas 
  • 3 pinceles; Grueso (entre 5 y 6) Mediano (entre 3 y 4) y mini (entre 0/3 y 0) 
  • Lápiz grafito del tipo H para dibujar

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[descargable gratuito] Wallpaper agosto 2020

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Estoy muy emocionada de comenzar Agosto, tengo una sensación de calma y optimismo estos días que espero se proyecten al resto del mes.

Es por eso que quise poner toda la hermosa de ésta rama de Lilium para este mes, para recordar este sentimiento cada vez que la mire. Espero que les guste tanto como a mi 💌

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¿Cómo elegir el mejor set de Acuarelas según tus necesidades artísticas?

¿Cómo elegir el mejor set de Acuarelas según tus necesidades artísticas?

Actualmente existen tantas marcas y formatos de Acuarela que es fácil perderse, por lo que te contaré en qué aspectos debes fijarte a la hora de comprar Acuarelas.

Para comenzar, lo mejor es saber de qué están compuestas las Acuarelas!

Las acuarelas están hechas de pigmentos aglutinados con goma arábiga,  además de muchas veces contar con otros materiales cómo agua, glicerina y miel. 

La cantidad y la calidad de estos ingredientes es lo que definirá la calidad de una acuarela.

Las acuarelas más baratas ahorran dinero al poner una cantidad muy pequeña de pigmento y el resto es  relleno sintético o ligante, de ahí viene que pinten con colores menos intensos y opacos. 

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Imagen de la Artista y recolectora de pigmentos Heidi Gustafson

Existen 2 tipos de Acuarelas: Académicas y Profesionales

Las Acuarelas Profesionales o de calidad Artística por lo general poseen más pigmento, lo que se traduce en un color de mayor pureza o saturación, mientras que las de calidad Académica poseen más relleno sintético o ligante, resultando colores de menor pureza y más opacos. 

El pigmento de las Acuarelas profesionales puede llegar a durar hasta 100 años intactos en una obra correctamente enmarcada, mientras que las Académicas comienzan a ver afectada su pigmentación a los 2 años, lo que no la hace muy apta si quisieras comenzar a vender tus ilustraciones.

Las acuarelas a pesar de tener un alto costo, duran muchisímos años, por eso mi recomendación sería informarte bien antes de comprar e invertir un poquito para tener una mejor experiencia. Además siempre es importante estudiar las prácticas que las marcas hacen con respecto al medio ambiente y consumir de manera consciente y sustentable.

No hay una que sea de mejor calidad que la otra – Si trabajas con ambos formatos de la misma calidad – pero tienen características diferentes y debes escoger las que se adapten mejor a tus necesidades.

Tubos: El formato tubo es más fácil para mezclar, por eso siempre recomiendo comenzar con tubos, ya que comprendes de manera más exacta la relación necesaria de agua v/s pigmento. Además que te permite trabajar en ilustraciones de una mayor escala y no ensucian el resto de los colores.

Uno de los errores más comunes al usar tubos es que la persona tiende a usar más de lo necesario, sólo basta un puntito de pigmento para diluirlo en agua

Pastillas: Las pastillas son más prácticas y cómodas de transportar, ya que vienen en una caja compacta con mezclador incluido, por lo que son perfectas para personas que viajan mucho ó que les gusta salir a pintar en la naturaleza.

Las pastillas al ser pequeñas no son recomendadas para pintar grandes formatos, ya que el pincel más grande con el que puedes diluir una es N°16, también recuerda cuidarlas de no ensuciarse con pelos de la superficie y de limpiar bien el pincel cada vez que usarás un nuevo color.

Para diluir el pigmento de una pastilla debes mojar el pincel y llevarlo a la pastilla para extraer el pigmento.

Tanto tubos cómo pastillas los puedes encontrar por separado, por lo que si estás pensando en comprar Acuarelas de calidad Artística pero no quieres hacer una inversión inicial muy alta, te recomiendo que comiences comprando 5 colores – los que más utilices – o colores primarios para realizar diferentes mezclas y así ampliar tu carta de colores.

En las acuarelas profesionales, muchas veces nos encontramos con que el precio varia de acuerdo al color de la Acuarela, esto tiene que ver directamente con el mineral utilizado para su elaboración, mientras más difícil sea encontrarlo, más valor ($) tendrá ese color.

Mientras que las Acuarelas académicas tienen precios estandarizados porque los rellenos sintéticos sustituyen estos pigmentos, por lo que es común que veas la palabra “matiz” – o “hue”- después del nombre de un pigmento; esto quiere que se trata de un relleno sintético.

Ahora te compartiré una lista de mis materiales favoritos tanto de la línea para aficionados como de la línea para profesionales.

Esta lista es para darte una vista general de muchas Acuarelas buenas que ofrece el mercado, pero no constituye una opinión absoluta, pueden existir muchas otras buenas marcas en el mercado que no aparecen en ésta lista y es porque no he tenido la fortuna de probarlas, así que puede ser que ésta lista se siga actualizando

*Los valores están con referencia por Amazon para dar uniformidad a la información y viene directamente del precio que cada marca ha publicado. No incluyen los costos de envió y te recomiendo siempre compararlos con los precios de tu habitual librería de Arte*

Espero que ésta información sea útil para ti y que disfrutes el proceso de aprender a pintar con Acuarelas 💛

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[descargable gratuito] Wallpaper julio 2020

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Llega Julio y les traigo está composición de Rosas que preparé con mucho cariño para ustedes. Espero que les guste y que tengan un pedacito de mi para acompañarles durante este mes 💌

No hay nada mejor que rosas para colorear este invierno

Wallpaper descargable versión móvil para Julio

Wallpaper descargable versión Escritorio para Julio

 No olviden compartir en sus redes sociales, su difusión me ayuda montones a seguir avanzando en la creación de nuevas ilustraciones 💛

Publicado por Nicoletalle en Descargables, Wallpapers, 0 comentarios